Τα πιο τολμηρά ερωτικά αριστουργήματα!

Τα πιο προκλητικά έργα τέχνης που άφησαν εποχή

Τα πιο προκλητικά ερωτικά έργα τέχνης στην ιστορία

Τα εξιδανικευμένα γυμνάς είναι ένα σύνηθες μοτίβο στη Δυτική τέχνη, με έργα όπως ο Δαβίδ του Michelangelo ή η Αφροδίτη του Ουρμπίνο του Τιτσιάνο να μην προκαλούν πια ιδιαίτερες αντιδράσεις. Όμως τι γίνεται με εκείνα τα έργα που ξεπέρασαν κατά πολύ τα καθιερωμένα όρια;

Αυτά τα τολμηρά και αμφιλεγόμενα έργα, που παρουσιάζονται είναι ικανά να κοκκινίσουν ακόμα και τον πιο ανοιχτόμυαλο Καζανόβα. 

Τα ερωτικά αγγεία του πολιτισμού των Moche

Ο πολιτισμός των Moche κυριάρχησε στη ξηρή βόρεια ακτή του Περού από τον 1ο έως τον 8ο αιώνα μ.Χ., δημιουργώντας μια αυστηρά ιεραρχημένη κοινωνία με κέντρο μνημειακά συγκροτήματα πυραμίδων, γνωστά ως huacas. Η πολιτιστική τους κληρονομιά περιλαμβάνει εξαιρετικά υφαντά, κοσμήματα από χρυσό και πολύτιμους λίθους, τοιχογραφίες, μουμιοποιημένα σώματα με τατουάζ και – κυρίως – αγγεία από κεραμικό.

Anonymous (Moche, Santa Valley)
Ερωτική αγκαλιά γυναίκας και σκελετού σε αγγείο με λαβή και ρύγχος
100 B.C—500 A.D.

Ανάμεσα σε αυτά, ξεχωρίζει μια ομάδα με πάνω από 500 αγγεία που απεικονίζουν με ρεαλιστικό και τολμηρό τρόπο σεξουαλικές πράξεις. Τα αγγεία δεν ήταν διακοσμητικά· ήταν απολύτως λειτουργικά, με κοιλότητες για υγρά και ρύγχη, συχνά σε σχήμα φαλλού.

Οι σκηνές που συναντώνται συχνότερα περιλαμβάνουν πρωκτική επαφή, στοματικό έρωτα (fellatio) και αυνανισμό. Εντυπωσιακό είναι ότι cunnilingus δεν εμφανίζεται ποτέ, ενώ η κολπική διείσδυση είναι σχεδόν ανύπαρκτη. Η πιο κοινή στάση είναι η πρωκτική επαφή, συνήθως ανάμεσα σε άντρα και γυναίκα, με ανατομικές λεπτομέρειες που αποδίδονται με ακρίβεια.

Ένα ιδιαίτερα εντυπωσιακό αγγείο απεικονίζει μια γυναίκα που αυνανίζει έναν αντρικό σκελετό. Ερευνητές ερμηνεύουν αυτή τη σκηνή ως συμβολισμό της συνέχειας ανάμεσα στους ζωντανούς και τους νεκρούς. Στις προκολομβιανές γλώσσες των Άνδεων, οι έννοιες πρόγονος, γενεαλογία και πέος συνδέονται γλωσσικά. Η πράξη του αυνανισμού του σκελετού ίσως θεωρούνταν ότι ενεργοποιεί τη δύναμη των προγόνων, μεταφέροντας μέσα από την σεξουαλική πράξη της γυναίκας τη ζωτική ενέργεια στους απογόνους της γενιάς.

Αυτά τα αγγεία δεν είναι απλώς ερωτική τέχνη· αποτελούν μέρος μιας θρησκευτικής και κοινωνικοπολιτικής κοσμοθεωρίας:

• Λειτουργούσαν πιθανότατα ως ταφικά κτερίσματα της ελίτ, συνδεδεμένα με την εξουσία και τη συνέχιση της γενιάς.

• Τα σωματικά υγρά θεωρούνταν δεσμοί ανάμεσα σε προγόνους και απογόνους, με το σπέρμα και το μητρικό γάλα να ενσαρκώνουν τη μεταβίβαση της ζωής.

• Για την άρχουσα τάξη των Moche, η αναπαραγωγή δεν σήμαινε απλώς γέννηση παιδιών, αλλά δημιουργία κληρονόμων που θα συνέχιζαν να ελέγχουν πλούτο, δύναμη και πολιτική επιρροή.

Έτσι, τα διαβόητα «σεξουαλικά αγγεία» των Moche συνδυάζουν το σεξ, τον θάνατο και την εξουσία, μετατρέποντας την ερωτική πράξη σε σύμβολο αιώνιας γενεαλογικής συνέχειας και προγονικής λατρείας.

I Modi – Τα απαγορευμένα ερωτικά χαρακτικά της Αναγέννησης

Από την Αναγέννηση έως σήμερα, λίγα έργα έχουν προκαλέσει τόσο μυστήριο και περιέργεια όσο το περίφημο I Modi (Οι Στάσεις), μια συλλογή ερωτικών χαρακτικών που καταδιώχθηκε και λογοκρίθηκε για αιώνες από την Καθολική Εκκλησία.

Marcantonio Raimondi, after Giulio Romano
I Modi (The Positions)
c. 1510-20

Σώζονται σήμερα μόνο θραύσματα από αυτά τα έργα: κομμάτια από μεγαλύτερες, ρητά σεξουαλικές εικόνες, κομμένα προσεκτικά ώστε να αποφεύγεται η απεικόνιση των πιο «επικίνδυνων» λεπτομερειών. Βλέπουμε κεφάλια γυναικών σε προφίλ, γυμνούς γυναικείους κορμούς που υπαινίσσονται σεξουαλική πράξη, καθώς και ανδρικά γυμνά από τον κορμό και πάνω. Αυτή η προσεκτική περικοπή ήταν ο λόγος που επέζησαν – διαφορετικά η Ιερά Εξέταση θα τα είχε καταστρέψει ολοκληρωτικά.

 Η ιστορία ξεκινά το 1524, όταν ο Ιταλός χαράκτης Marcantonio Raimondi τύπωσε μια σειρά από 16 ερωτικές στάσεις, βασισμένες σε σχέδια του καλλιτέχνη Giulio Romano, μαθητή του Ραφαήλ και επίσημου ζωγράφου της Αυλής της Μάντοβα. Ο Romano, γνωστός για τα τολμηρά έργα του, είχε ήδη διακοσμήσει με ερωτικές τοιχογραφίες το Palazzo Te, το ανάκτορο ηδονών του δούκα Federico II Gonzaga.

Η επιτυχία ήταν άμεση αλλά και μοιραία: ο Πάπας Κλήμης Ζ΄ διέταξε τη σύλληψη του Raimondi και την καταστροφή όλων των αντιτύπων. Ο Romano, πιο προστατευμένος, ξέφυγε τις κυρώσεις. Ο σατιρικός συγγραφέας Pietro Aretino επανέφερε το έργο το 1527, συνοδεύοντάς το με ερωτικά σονέτα που περιέγραφαν τις σκηνές· όμως κι αυτή η έκδοση καταστράφηκε, αφήνοντας πίσω μόνο φτωχές ξυλογραφίες σε ένα βιβλίο του 16ου αιώνα.

Η ιστορία όμως δεν τελείωσε εκεί.
Τα σχέδια επιβίωσαν παράνομα και επανεκδόθηκαν, είτε ως πιστά αντίγραφα είτε ως πηγή έμπνευσης για άλλους χαράκτες όπως ο Agostino Carracci. Στον 18ο αιώνα κυκλοφόρησε το L’Arétin d’Augustin Carrache, ένας κατάλογος στάσεων που έδινε ψευδο-αξιοπρέπεια στις σκηνές, βαφτίζοντάς τες με ονόματα από την κλασική μυθολογία.

Η γοητεία του I Modi έγκειται όχι μόνο στην τολμηρότητά του, αλλά και στην φαντασία που προκαλεί το απαγορευμένο. Όπως τονίζουν οι μελετητές, πολλές φορές αυτό που υπονοείται διεγείρει περισσότερο από αυτό που φαίνεται ξεκάθαρα.

 Έτσι, τα θραύσματα του I Modi αποτελούν σήμερα σύμβολο αντίστασης απέναντι στη λογοκρισία και απόδειξη ότι η ανθρώπινη επιθυμία βρίσκει πάντα τρόπο να επιβιώσει, ακόμη και κάτω από τη σκιά της αυστηρότερης καταστολής.

Lascivie – Τα ερωτικά χαρακτικά του Agostino Carracci

Μία από τις λίγες συλλογές ερωτικών χαρακτικών που επιβίωσαν από τον 16ο αιώνα είναι τα Lascivie του Ιταλού χαράκτη Agostino Carracci. Την εποχή εκείνη, η ραγδαία εξέλιξη της τεχνολογίας εκτύπωσης επέτρεπε σε ένα ευρύτερο κοινό συλλεκτών να εξερευνήσει τα πιο εξειδικευμένα τους ενδιαφέροντα. Πολλά έργα αυτού του είδους υπόκεινταν σε λογοκρισία, όπως το διάσημο I Modi του Marcantonio Raimondi.

Agostino Carracci
Lascivie
1585–1600

Τα Lascivie είναι λιγότερο γραφικά σεξουαλικά από τα έργα του Raimondi, αλλά περιλαμβάνουν μια πιο ευρεία γκάμα θεμάτων από τη Βίβλο και τη μυθολογία. Ένα χαρακτικό δείχνει τις Τρεις Χάριτες σε διαφορετικές στάσεις: μετωπικά, πλάγια και τριών τετάρτων, ενώ άλλα έργα απεικονίζουν σατύρους και νύμφες, δημοφιλή θέματα της συλλογής. Σε ένα παράδειγμα, ένα κατσικοειδές πλάσμα ερωτοτροπεί με μια νύμφη καθισμένη σε βράχο. Σε άλλο, ένας άνδρας παρακολουθεί μια νύμφη να κοιμάται κάτω από πέπλα, όπως χρησιμοποιεί αργότερα ο Nicolas Poussin στο έργο του Jupiter and Antiope. Στο χαρακτηριστικό Satyr Mason, ο σατύρος με ποδιά κρατάει αλφαδιέρα πάνω από την κοιλιά μιας γυναίκας, η οποία κοιμάται μαζί με ένα παιδί· στο φόντο φαίνεται γάτα και κλουβί πουλιών.

Ο Agostino ήταν ένας από τους τρεις αδελφούς Carracci, μαζί με τον πιο γνωστό ζωγράφο Annibale, που πρωτοστάτησαν στο αναπτυσσόμενο στυλ του 17ου αιώνα, Μπαρόκ. Ο Agostino αναγνωρίστηκε ως ένας από τους καλύτερους Ιταλούς χαράκτες, χάρη στις εκτυπώσεις του πάνω σε έργα σύγχρονων δασκάλων όπως οι Paolo Veronese, Correggio και Tintoretto. Η σειρά Lascivie είναι δική του δημιουργία και δείχνει την ικανότητά του να αναδημιουργεί κλασικά θέματα με καθαρό και κατανοητό τρόπο.

Παρά τη μεγαλύτερη πληρότητα των Lascivie σε σύγκριση με τα I Modi, τα έργα έχουν φτάσει σε εμάς θραυσματικά, καθιστώντας ασαφές αν δημιουργήθηκαν ως σειρά ή συλλέχθηκαν αργότερα. Οι συγγραφείς του 17ου αιώνα αναφέρουν βιβλίο με τέτοια χαρακτικά, με αριθμό πλακών που ποικίλλει από δεκαπέντε έως είκοσι. Οι δύο εξωτερικές σκηνές με σατύρους φαίνεται να σχετίζονται στενά, ενώ η εικόνα του ζεύγους σε συνεύρεση φαίνεται να δημιουργήθηκε νωρίτερα, κρίνοντας από το ομοιόμορφο πάχος των γραμμών του Carracci. Καθώς ο καλλιτέχνης εξελισσόταν, ανέπτυξε πιο μαλακές, στρογγυλεμένες μορφές, υποδηλώνοντας ότι τα Lascivie δημιουργήθηκαν με τον χρόνο, από μεμονωμένες εκτυπώσεις σε μια ευρύτερη σειρά με κοινό format.

Henry Fuseli – Σχέδιο Ερωτικής Σκηνής με Τρεις Γυναίκες και Έναν Άνδρα (1809)

Αν και πολλές ερωτικές εικόνες μεταφέρουν τη σεξουαλικότητα στην τεχνική της ζωγραφικής ή σε αντικείμενα-υποκατάστατα μέσα στο έργο – αφρώδη κύματα, κατεβατά μαλλιά, τυλιγμένα πουτί – αυτό το σχέδιο του Henry Fuseli ανήκει καθαρά στον χώρο της ερωτικής τέχνης του 19ου αιώνα.

Henry Fuseli
Drawing of an Erotic Scene with Three Women and One Man
1809

Σε αυτό το σχέδιο με μολύβι και ακουαρέλα, τρεις γυναίκες συνουσιάζονται με έναν πεσμένο άνδρα, το κεφάλι του οποίου κρύβεται ανάμεσα στους μηρούς της γυναίκας στα δεξιά. Τα τέσσερα σώματα σχηματίζουν μια πυραμίδα· η γυναίκα στην κορυφή κατεβαίνει πάνω στη στύση του κοινού τους εραστή, ενώ η τρίτη βοηθά κρατώντας το πέος του. Τα εμφανή γένια των γυναικών και η ανοιχτή σεξουαλικότητά τους υποδηλώνουν ότι μπορεί να πρόκειται για πόρνες. Τα περίτεχνα χτενίσματα συνδέουν το έργο με προηγούμενα έργα του Fuseli, όπως τα Two Courtesans with Fantastic Hairstyles and Hats (1796) και The Debutante (1807), αν και αυτά δεν είναι σεξουαλικά εκφραστικά.

Ο Fuseli, γεννημένος Johan Heinrich Füssli, ήταν Ελβετός ζωγράφος που εγκαταστάθηκε στην Αγγλία μετά από παρατεταμένη παραμονή στην Ιταλία, όπου άλλαξε το όνομά του από το πιο γερμανικό Johann Heinrich Füssli. Ελκόμενος από θέματα που κυμαίνονται από το υπερφυσικό έως τον Σαίξπηρ, καθιέρωσε τη φήμη του με τον πίνακα The Nightmare (1781), όπου μια πεσμένη γυναίκα παρακολουθείται από άγριο άλογο και έναν γκροτέσκο δαίμονα (incubus). Η ερωτική υπονοούμενη σκηνή αυτού του έργου προκάλεσε σκάνδαλο όταν εκτέθηκε στη Royal Academy of Arts το 1782.

Ωστόσο, ο τύπος της ερωτικότητας που φαίνεται εδώ είναι διαφορετικός· πιο άμεσος και εκφραστικός, κοντά στα σεξουαλικά σχέδια που έκανε ο Fuseli στην Ρώμη, όπως τα Symplegma on an Altar before a Herm of Priapus ή Symplegma of a Man with Two Women (1770–1778). Στα έργα αυτά εμφανίζεται ρητή συνεύρεση, αλλά με αβέβαιο σκοπό· ήταν για ανταλλαγή μεταξύ φίλων ή για ιδιωτική απόλαυση; Ο Fuseli έγραψε στο σχέδιο μια φράση από την τραγωδία του Αισχύλου Προμηθέας Δεσμώτης:

«Έτσι μοιραίο στους εχθρούς μου να είναι το έρωτας», υπονοώντας ίσως τους κρυφούς κινδύνους του σεξουαλικού πάθους.

Katsushika Hokusai – Tako to ama (Το Όνειρο της Γυναίκας του Ψαρά, 1814)

Αυτή είναι ίσως η πιο μαγευτική ερωτική εικόνα shunga όλων των εποχών, που έχει συναρπάσει το κοινό για αιώνες. Δημιουργήθηκε από τον μεγάλο καλλιτέχνη Katsushika Hokusai και απεικονίζει μια γυναίκα δύτη που έχει παρασυρθεί στα βάθη της θάλασσας, όπου ένα έντονα χρωματισμένο χταπόδι απολαμβάνει τη συνουσία μαζί της. Και τα οκτώ πλοκάμια της χαϊδεύουν το σώμα, ενώ το μεγάλο στόμα του εκτελεί στοματικό έρωτα, με τη γυναίκα να παραδίδεται πλήρως στο μαύρο-ματάτο, φουσκωμένο πλάσμα.

Katsushika Hokusai
Tako to ama 蛸と海女 (Dream of the Fisherman's Wife) from Kinoe no Komatsu
1814

Ένα μικρότερο χταπόδι φιλάει το στόμα της, και η καμπυλωτή της πλάτη μαζί με τον τρόπο που κρατά τα πλοκάμια αποκαλύπτουν την έντονη σεξουαλική διέγερσή της, η οποία ενισχύεται από τα αναστεναγμούς και τις κραυγές στο κείμενο γύρω από τη σκηνή.

Ο Hokusai δεν ήταν ο πρώτος καλλιτέχνης που φαντάστηκε αυτή τη φαντασία. Πολλοί προηγούμενοι καλλιτέχνες shunga, όπως οι Katsukawa Shunchō και Suzuki Harunobu, απεικόνισαν γυναίκες δύτες που απολαμβάνουν χταπόδια. Ωστόσο, το έργο του Hokusai είναι το πιο σαγηνευτικό και το πιο γνωστό στη Δύση, χάρη στη βιογραφία και κατάλογο του Edmond de Goncourt που εκδόθηκε το 1896.

Τα περισσότερα shunga έργα του Hokusai δημιουργήθηκαν μεταξύ 1814–1823, όταν ο καλλιτέχνης ήταν στην ηλικία των πενήντα και εξήντα ετών. Πιστεύεται ότι δημιούργησε συνολικά περίπου δεκαοκτώ βιβλία. Αυτή η ρητά σεξουαλική εικόνα προέρχεται από το τρίτο του βιβλίο, Pining for Love (1814). Το βιβλίο ξεκινά με την εικόνα μιας όμορφης γυναίκας, και κάθε σκηνή απεικονίζει την έντονη ερωτική της διέγερση με έναν εραστή, μέχρι την τελευταία εικόνα που εστιάζει κοντινά στα γεννητικά της όργανα.

Otto Dix – Crimson General and Prostitute (1920)

Αυτή η εικόνα είχε σκοπό να σοκάρει. Δημιουργήθηκε από τον avant-garde Γερμανό καλλιτέχνη Otto Dix το 1920 και σηματοδοτεί μια σημαντική στιγμή στην καλλιτεχνική του εξέλιξη, καθώς άρχισε να εγκαταλείπει τον εκλεκτικισμό του Κυβισμού και του Ντανταϊσμού υπέρ ενός σκληρού Κριτικού Ρεαλισμού.

Otto Dix
Memory of the Mirrored Halls of Brussels
1920

Η ζωγραφιά απεικονίζει έναν γενικό με πρόσωπο πορφυρό από κρασί, να χαϊδεύει το πρησμένο στήθος μιας γυμνής, παχύσαρκης πόρνης. Οι πολλαπλοί καθρέφτες αναπαράγουν τη σκηνή από κάθε γωνία, ώστε η πρόχειρα ζωγραφισμένη αιδοία της γυναίκας να φαίνεται στον καθρέφτη του δαπέδου του οίκου ανοχής, ενώ οι γλουτοί της πλαισιώνουν τις σκηνές στις δεξιές και αριστερές πλευρές του πίνακα.

Όπως πολλοί avant-garde Γερμανοί καλλιτέχνες, ο Dix επηρεάστηκε έντονα από την κοινωνική πραγματικότητα της Δημοκρατίας της Βαϊμάρης. Έχοντας υπηρετήσει στον Α’ Παγκόσμιο Πόλεμο, επιθυμούσε μια καλύτερη κοινωνία όπου οι άνθρωποι θα μπορούσαν να υπερβούν τα κοινωνικά τους επίπεδα. Η ηθική του αγανάκτηση για την παρακμή και τη διαφθορά της μεταπολεμικής Ευρώπης έγινε το βασικό θέμα των έργων του, εστιάζοντας σε πόρνες, μαγαζάτορες, εκμεταλλευτές και ζητιάνους.

Στο Βέλγιο, όπου εκτυλίσσεται η σκηνή, η βιομηχανία του σεξ είχε γίνει διαδεδομένη κατά τη διάρκεια του πολέμου, καθώς οι στρατιώτες επιτρεπόταν να απολαμβάνουν για λίγο πριν επιστρέψουν στη φονική μάχη. Το θέμα είναι σκόπιμα προκλητικό και το 1923 ο Dix δικάστηκε στη Γερμανία για ασελγία, αλλά αθωώθηκε. Το έργο προσφέρει μια ηδονιστική όψη της σάρκινης επιθυμίας, με ωμή ερωτική δύναμη που συνεχίζει να σοκάρει και να συναρπάζει.

Salvador Dalí – The Great Masturbator (1929)

Ο Ισπανός Σουρεαλιστής Salvador Dalí περιέγραψε το The Great Masturbator ως αυτοπροσωπογραφία του, ένα «έκφραση της ετεροφυλοφιλικής μου ανησυχίας», υποστηρίζοντας ότι «η αυνανιστική πράξη εκείνη την εποχή ήταν ο πυρήνας της ερωτικής επιθυμίας». Ο Dalí ήταν πολύ ανοιχτός στις συνεντεύξεις του και στις τρεις αυτοβιογραφίες του σχετικά με τις ανησυχίες του για τη σεξουαλική επαφή και την προτίμησή του στην αυτοϊκανοποίηση.

Salvador Dalí
The Great Masturbator
1929

Από νεαρή ηλικία αναπτύχθηκε μια πανική φοβία για τα σεξουαλικώς μεταδιδόμενα νοσήματα, όταν είδε ιατρικές φωτογραφίες σε ένα βιβλίο του πατέρα του πάνω στο πιάνο της οικογένειας. Παράλληλα, ανησυχούσε για το μέγεθος του πέους του, το οποίο θεωρούσε μικρό συγκριτικά με των συμμαθητών του, και η ανάγνωση ενός πορνογραφικού μυθιστορήματος με μεγάλο ανδρικό μόριο ενίσχυσε τη χρόνια ανικανότητά του. Στα είκοσι πέντε χρόνια του, όταν δημιούργησε αυτόν τον πίνακα, ήταν ακόμα παρθένος και μόλις τότε γνώρισε την Gala Éluard, την οποία παντρεύτηκε πέντε χρόνια αργότερα. Ένα κεφάλαιο σε αυτοβιογραφία του είχε τίτλο: «Πώς να γίνεις ερωτικός ενώ παραμένεις άπαρτος», αν και η σύζυγός του τον βοήθησε να τελειοποιήσει την τεχνική του αυτοϊκανοποίησης.

Η κεντρική μορφή του πίνακα είναι μια χαρακτηριστική, χαλαρή αυτοπροσωπογραφία του Dalí, γνωστή και από το The Persistence of Memory (1931). Στο The Great Masturbator, το κεφάλι του κοιτάζει προς τα κάτω, η κορυφή της μύτης αγγίζει τη γη. Στα αριστερά διακρίνονται βλέφαρο και βλεφαρίδες (η κάθετη σχισμή με γούνα υπονοεί γυναικεία αιδοία), φρύδι, μέτωπο με ρυτίδες και χωρισμένα μαλλιά. Ο Dalí κοιμάται και ο πίνακας απεικονίζει το όνειρό του.

Μια γυναίκα – η αγνότητα της οποίας δηλώνεται με το λευκό κρίνο, σύμβολο της Παναγίας στη δυτική ζωγραφική – αναδύεται από το κεφάλι του και απολαμβάνει την οσφρητική επαφή με τα γεννητικά του όργανα, κρυμμένα κάτω από το εσώρουχό του. Στο πρόσωπό του κάθεται ένας ακρίδας με έναν σωρό από μανιώδεις μυρμήγκια στη θέση που θα περιμέναμε το ηβικό της μέρος αν ανθρωπομορφίζαμε την εικόνα. Η μορφή των μυρμηγκιών εμφανίστηκε την ίδια χρονιά στην ταινία Un Chien Andalou, σε συνεργασία με τον Σουρεαλιστή σκηνοθέτη Luis Buñuel.

Η έκφραση σεξουαλικών και ονειρικών περιεχομένων είναι τυπική της Σουρεαλιστικής κίνησης, την οποία ο Dalí εντάχθηκε την ίδια χρονιά που δημιούργησε αυτόν τον πίνακα. Οι Σουρεαλιστές μετέφραζαν τις ιδέες του Freud για τα όνειρα, το ασυνείδητο και τα σεξουαλικά/επιθετικά ένστικτα στη λογοτεχνία και την τέχνη, αντιστεκόμενοι στη συστηματική καταπίεση των βιολογικών ορμών από την αστική κοινωνία.

Claes Oldenburg – Clinical Study, towards a Heroic-Erotic Monument in the Academic/Comics Style (1965)

Το σχέδιο αυτό δημιουργήθηκε το 1965 από τον Αμερικανό Pop καλλιτέχνη Claes Oldenburg ως τολμηρή απάντηση στην αστική υπερβολή και την μπογιά της μπουρζουαζίας. Ζωγραφισμένο με στυλό διαρκείας (ballpoint) για έντονη γραμμή και με καρτουνίστικη αίσθηση, απεικονίζει μια ομάδα ατημέλητων γυναικείων μορφών που καλύπτουν με τα σώματά τους ένα τεράστιο, χαλαρό πέος. Τα βωμολοχικά τους ρούχα παραπέμπουν στην ατμόσφαιρα του fin-de-siècle Παρισιού, με τα φουστανάκια τύπου Folies Bergère σηκωμένα στη μέση, ενώ τα οπίσθιά τους πιέζονται πάνω στο γιγάντιο όσχεο, κρυμμένο πίσω από τις κουρδισμένες φιγούρες τους.

Claes Oldenburg
Clinical Study, towards a Heroic-Erotic Monument in the Academic/Comics Style
1965

Ο Oldenburg είναι περισσότερο γνωστός για μοναδικά γλυπτά σε υπερμεγέθη κλίμακα καθημερινών αντικειμένων, όπως κραγιόν, σκούπες ή πριόνια, αλλά λιγότερο γνωστά είναι τα ερωτικά του σχέδια, εμπνευσμένα από τον κλασικό Ρομαντισμό της Ευρώπης του 19ου αιώνα, που άρχισε να δημιουργεί στις αρχές της δεκαετίας του ’60.

Το σχέδιο αυτό γεννήθηκε μετά από την επίσκεψη του καλλιτέχνη στην Washington D.C., όπου τον εντυπωσίασαν τα νεοκλασικά αγάλματα πολιτικών. Ο Oldenburg θεώρησε ότι αυτά τα μνημεία ήταν φόρος τιμής στη σεξουαλικότητα και την εξουσία, και θέλησε να τα «ισοπεδώσει» με ένα ειρωνικό και προκλητικό μνημείο. Οι καρτουνίστικες γυναίκες του σχεδίου αποτελούν πρώιμο πρότυπο για τις επόμενες γλυπτικές προτάσεις του, στις οποίες υπονόμευε την ιστορική παράδοση με χιουμοριστικά, «τερατώδη» εναλλακτικά οράματα.

Bruce Nauman – Body Pressure (1967–1968)

Το έργο Body Pressure είναι μια εννοιολογική (conceptual) δημιουργία του Bruce Nauman, που παίρνει σάρκα και οστά μόνο όταν οι θεατές ακολουθήσουν τις γραπτές οδηγίες του καλλιτέχνη. Τα λόγια συνήθως εκτίθενται σε τοιχογραφία σε γκαλερί, ενώ διατίθενται και φύλλα χαρτιού που οι επισκέπτες μπορούν να πάρουν μαζί τους.

Bruce Nauman
Body Pressure
1974

Το έργο προκαλεί τους συμμετέχοντες να πιέσουν το σώμα τους σε έναν τοίχο και να παρατηρήσουν πώς η επαφή αυτή επηρεάζει τα διάφορα μέρη του σώματος. Οι οδηγίες περιλαμβάνουν λεπτομέρειες όπως:

«Συγκεντρωθείτε στις εντάσεις των μυών, τον πόνο στις ενώσεις των οστών, τις σάρκινες παραμορφώσεις κάτω από πίεση· σκεφτείτε τις τρίχες του σώματος, τον ιδρώτα, τις μυρωδιές.»

Το κείμενο κλείνει με μια υποσημείωση για τη σεξουαλικότητα της εμπειρίας:

«Αυτή η άσκηση μπορεί να γίνει πολύ ερωτική.»

Η δουλειά του Nauman βασίζεται στην ιδέα ότι το έργο τέχνης δεν χρειάζεται πάντα να είναι αντικείμενο, αλλά μπορεί να είναι μια δράση ή δραστηριότητα, εκτελεσμένη είτε από τον καλλιτέχνη είτε από το κοινό. Στην προέκταση αυτή συνδέεται με τον Marcel Duchamp και την έννοια του readymade, όπως το διάσημο Fountain (1917).

Το Body Pressure αποτέλεσε έμπνευση για σημαντικούς καλλιτέχνες, όπως η Marina Abramović, που επανέλαβε το έργο του στη σειρά Seven Easy Pieces (2005) στο Guggenheim της Νέας Υόρκης. Συνδέεται επίσης με άλλες πειραματικές εξερευνήσεις του σώματος από τους Yves Klein, Chris Burden και άλλους στη δεκαετία του 1960–70.

Το κείμενο του Nauman είναι παιγνιώδες με τη γλώσσα, τονίζοντας λέξεις όπως «very hard» για να ενισχύσει το ερωτικό στοιχείο, αφήνοντας όμως την ένταση της εμπειρίας στον κάθε συμμετέχοντα.

Joan Semmel – Touch (1970s)

Η Αμερικανίδα καλλιτέχνις Joan Semmel ξεκίνησε να ζωγραφίζει ερωτικές φιγούρες στις αρχές της δεκαετίας του 1970, ως απάντηση στην σεξουαλική εκμετάλλευση που παρατήρησε στη βιομηχανία πορνογραφίας των ΗΠΑ. Μετά από μια δεκαετία διαμονής στην Ισπανία, η επιστροφή της στη Νέα Υόρκη τη σοκάρισε, βλέποντας πώς η σεξουαλική βιομηχανία χρησιμοποιούσε τα σώματα των γυναικών εναντίον τους. Ως ενεργή μέλος του φεμινιστικού κινήματος τέχνης, υιοθέτησε τεχνικές φωτογραφίας και αισθητική από την πορνογραφία για να δημιουργήσει πίνακες που προσέφεραν μια διαφορετική αφήγηση, αντίθετη με τη φετιχοποιημένη απεικόνιση των γυναικών.

Joan Semmel
Touch
1975

Αρχικά εκπαιδευμένη στον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό, η Semmel στράφηκε στον φωτορεαλισμό, χρησιμοποιώντας την κρυστάλλινη σαφήνεια της τεχνικής για να αναδείξει την πραγματικότητα της ανθρώπινης σάρκας και επιθυμίας. Ο πίνακας Touch αναδεικνύει τη γυναικεία σεξουαλική επιθυμία, υπονομεύοντας τις παραδοσιακές έμφυλες εξουσιαστικές δομές, με τη γυναίκα να τοποθετεί το πόδι της πάνω στον κορμό του άνδρα.

Η ασυνήθιστη προοπτική του έργου δημιουργεί έντονη οικειότητα: παρότι τα πρόσωπα λείπουν, οι φιγούρες είναι απόλυτα ζωντανές. Οι ζωηρές πινελιές, τα έντονα χρώματα και η προοπτική με ακραία συντόμευση αποκαλύπτουν τη φυσικότητα και την τρυφερότητα της σάρκας. Η ματιά της καλλιτέχνιδας συγχωνεύεται με εκείνη του θεατή, κάνοντάς τον συμμέτοχο σε μια ήσυχη, ιδιωτική στιγμή ανάμεσα σε δύο ανθρώπους, ενισχύοντας τη συναισθηματική και σωματική εγγύτητα.

Από τις κεραμικές των Moche μέχρι τη σουρεαλιστική αυτοανάλυση του Dalí, η ερωτική τέχνη πάντα προκαλούσε, σόκαρε αλλά και ενέπνευσε. Η ιστορία της μας δείχνει ότι το σεξ στην τέχνη δεν είναι μόνο απόλαυση, αλλά και πολιτική, θρησκεία, φόβος, χιούμορ και επανάσταση.

" F o l l o w   U s "  :   

#AI#BLACK&WHITE#DIGITAL#DRAWING#EROTICHUMOR#FUMETTI#ILLUSTRATION#PARODY#PORNART#PRINTS#SCULPTURES#VINTAGE#ΘΕΜΑΤΙΚΑ#ΠΙΝΑΚΕΣ#ΣΚΙΤΣΟΓΡΑΦΟΙ#ΣΧΕΔΙΑΣΤΕΣ#ΦΩΤΟΓΡΑΦΙΑ#ΧΑΡΑΚΤΕΣ
Read More: Ανακαλύψτε πώς ο ερωτισμός εκφράζεται μέσα από την τέχνη, από την αρχαιότητα μέχρι τη σύγχρονη εποχή. Εξερευνήστε τα έργα και τους καλλιτέχνες που αποκάλυψαν την ομορφιά και την ένταση των ανθρώπινων συναισθημάτων.